Le symptôme devient le lieu où la famille dépose tout ce qu’elle refuse de voir. La personne anorexique devient le bouc émissaire nécessaire à la survie du système. La famille reste figée dans une anesthésie émotionnelle. Le temps ne bouge plus.

Moi aussi je suspends le temps par le symptôme. NO FUTURE. La personne anorexique est Punk. Je tente de créer une frontière à l’intérieur du magma familial. Je me différencie par le refus. Par la disparition.

Mon corps devient un territoire de contrôle absolu. Une tentative désespérée de produire des limites stables autour d’un moi éprouvé comme faible ou perméable. Mais quelque chose se fracture. Je pense hors de mon corps. Je n’habite plus pleinement cette matière suspendue. Je suis une âme incarnée portant un fardeau désincarné.

Le corps devient un objet extérieur. Exigeant. Invasif. Presque hostile. « Je suis plus que mon corps » devient lentement « Je ne suis pas mon corps. »

Puis une nouvelle figure contemporaine émerge : le modèle algorithmique de soi. Le fantôme généré par l’IA. Une image synthétique capable de produire une version du sujet plus cohérente, plus stable, plus acceptable que la réalité vécue elle-même.

Je me retrouve piégée à l’intérieur de cette représentation. L’IA produit un double qui remplace peu à peu l’expérience incarnée. Je ne peux plus échapper à l’image. Mon corps est moi. Ou bien il n’y a personne. Le sujet devient une simulation de lui-même.

Habiter un corps suppose d’accepter le monde. Le danger. Le désir. Le regard des autres. Cela suppose d’accepter le fait même d’être en vie. Mais j’existe ailleurs. J’éprouve un signal interne sans langage. Une angoisse antérieure à la parole. Un avertissement archaïque que je ne peux nommer. Parce que je ne suis plus connectée à mon corps. Le corps est suspendu. Muet. Dissocié.

Puis un autre dispositif apparaît : l’autoportrait. J’invente ma propre expérience physique. La photographie devient un retour temporaire à l’incarnation. Je dois poser. Tenir une position. Endurer le froid. L’inconfort. La nudité. Le déséquilibre. Le corps redevient sensation.

Puis l’image apparaît. La photographie opère comme preuve matérielle. Elle révèle la trace du corps. Sa présence. Son apparition indéniable. Les photographies me ramènent à l’expérience physique du moment où elles ont été prises. Elles me forcent à reconnaître qu’un corps était là. Même si ce corps me reste étranger.

Ainsi, l’autoportrait devient une tentative de réincarnation temporaire. Non une guérison. Mais une négociation fragile entre moi-même et ma propre disparition. Même si je reste anorexique, j’ai habité mon corps pendant l’acte photographique.

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Le désespoir fracture l’identité. Ces œuvres confrontent le spectateur à la vulnérabilité comme résistance, révélant ce que le monde de l’art préfère souvent effacer : la rupture, la décomposition et le poids brut de la mémoire.

La fracture est le regard interrompu ; l’érosion est le résidu de ce qui reste quand la neutralité échoue. Le corps, la surface, la lumière elle-même — tout porte témoignage.

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Le masque — rigide, fragile, et délibérément inanimé — interrompt l’obsession occidentale pour le visage expressif.

Il rejette la faim algorithmique d’une identité lisible, d’émotions soigneusement catégorisées, de la circulation incessante des « moi » qu’exigent les plateformes contemporaines.

S’appuyant sur l’héritage critique des poupées déconstruites de Hans Bellmer et des stratégies de déguisement d’Annette Messager, je positionne le masque non comme dissimulation mais comme refus.

Ces figures ne « performent » pas pour le spectateur. Elles retiennent. Elles fracturent.

Elles confrontent la violence d’une culture qui a remplacé l’empathie par la réplication, l’individualité par des personas standardisées, et l’intimité par la froide efficacité des métriques sociales.

Mes recherches sur l’identité, le trauma, l’anorexie et la politique du regard résonnent tout au long de l’œuvre : les corps, allongés ou rigides, se tiennent au seuil entre vulnérabilité et effacement.

Ils rappellent comment les économies contemporaines de l’image clonent les visages, les comportements et les désirs, produisant un monde où la conformité est récompensée et la complexité punie. Ici, le masque devient un contre-geste — un bouclier contre l’exigence algorithmique d’être lisible, désirable, « engageable. »

Mon imagerie pointe vers une condition post-humaine dans laquelle le corps devient un territoire contesté.

Les fonds floraux, les textures de papier déchiré et les ruines mises en scène évoquent l’effondrement de la domesticité et la dissolution de la mémoire.

Ces scènes font écho à une société qui a normalisé le détachement émotionnel, où le matérialisme fonctionne comme anesthésique et l’empathie devient la denrée la plus rare.

Ce qui émerge est un langage visuel sans compromis : subversif, tendre et farouchement intelligent. Je refuse le sentimental.

J’offre à la place une quietude radicale — une identité opaque que la société ne peut décoder, marchandiser ou consommer.

L’œuvre insiste sur le droit à l’opacité, à la complexité, à être intraduisible dans une culture accro à la ressemblance.

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